Arte come espressione as

L'idea che l'arte sia imitazione (rappresentazione) non solo è stata messa in discussione, è stata moribondo in almeno alcune delle arti a partire dal XIX secolo. Successivamente è stata sostituita dalla teoria che l'arte è espressione. Invece di riflettere gli stati del mondo esterno, si ritiene che l'arte rifletta lo stato interiore dell'artista. Questo, almeno, sembra essere implicito nel significato fondamentale di espressione : l'esterno manifestazione di uno stato interiore. L'arte come rappresentazione dell'esistenza esteriore (certamente vista attraverso un temperamento) è stata sostituita dall'arte come espressione della vita interiore degli esseri umani.

Ernst Ludwig Kirchner: Natura morta con brocca e ciotola africana

Ernst Ludwig Kirchner: Natura morta con brocca e ciotola africana Natura morta con brocca e ciotola africana , olio su tela di Ernst Ludwig Kirchner, 1912; nel Museo d'Arte della Contea di Los Angeles. Con cornice 139,7 × 111,76 × 6,35 cm. Fotografia di Beesnest McClain. Los Angeles County Museum of Art, dono di Richard Smooke, Michael Smooke e Barry Smooke in onore dei loro genitori, Marion e Nathan Smooke, M.2003.90



Ma i termini esprimere e espressione siamo ambiguo e non denotano sempre la stessa cosa. Come tanti altri termini, esprimere è soggetto all'ambiguità processo-prodotto: la stessa parola è usata per un processo e per il prodotto che risulta da quel processo. La musica esprime sentimento può significare che il compositore ha espresso sentimenti umani nello scrivere la musica o che la musica quando è ascoltata è espressiva (in qualche modo ancora da definire) del sentimento umano. Sulla base del primo senso sono le teorie sulla creazione dell'arte. Sulla seconda si fondano le teorie sul contenuto dell'arte e sul completamento della sua creazione.



Espressione nella creazione dell'arte

La creazione di un'opera d'arte è la realizzazione di una nuova combinazione di elementi nel mezzo (toni in musica, parole in letteratura , pitture su tela e così via). Gli elementi esistevano in precedenza ma non nella stessa combinazione; la creazione è la ri-formazione di questi materiali preesistenti. La preesistenza dei materiali vale per la creazione ben al di là dell'arte: nella creazione di una teoria scientifica o nella creazione di un disturbo. Si applica anche alla creazione nella maggior parte delle teologie, ad eccezione di alcune versioni di Christian teologia , in cui la creazione è ex nihilo, cioè senza materia preesistente.

Che la creazione avvenga in vari mezzi artistici è ovvio verità . Ma una volta concesso ciò, non è stato ancora detto nulla sull'espressione, e l'espressionista direbbe che la precedente affermazione sulla creazione è troppo blanda per coprire ciò che deve essere detto sul processo di creazione artistica. Il processo creativo, vuole dire l'espressionista, è (o è anche) un processo espressivo, e per l'espressione è necessario qualcosa di più che l'artista che crea qualcosa. Bisogna fare molta attenzione in questa fase: alcuni dicono che la creazione dell'arte è (o implica) l'espressione di sé; altri dicono che è l'espressione del sentimento, anche se non necessariamente del proprio sentire (o forse quello e qualcosa di più, come il sentimento del proprio cultura o della propria nazione o di tutta l'umanità); altri dicono che non è necessariamente limitato ai sentimenti ma che idee o pensieri possono essere espressi, poiché chiaramente sono in saggi . Ma la visione tipicamente espressionista della creazione artistica è il prodotto del Movimento romantico , secondo cui l'espressione dei sentimenti costituisce la creazione dell'arte, così come la filosofia e altre discipline sono l'espressione delle idee. È, in ogni caso, la teoria dell'arte come espressione dei sentimenti (che qui si intende includere le emozioni e gli atteggiamenti) che è stata storicamente significativa e sviluppata: l'arte come specialmente connessa con la vita del sentimento.



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Quando si dice che le persone esprimono sentimenti, cosa stanno facendo nello specifico? In un senso perfettamente ordinario, esprimere è lasciarsi andare o sfogarsi: gli individui possono esprimere la loro rabbia lanciando cose o imprecando o colpendo le persone che li hanno fatti arrabbiare. Ma, come hanno fatto notare molti scrittori, questo modo di esprimersi ha poco a che fare con l'arte; come il filosofo americano John Dewey detto, è più un traboccare o un vomitare che un'espressione. Almeno nell'arte, l'espressione richiede un medium, un medium che sia recalcitrante e che gli artisti devono piegarsi alla loro volontà. Nel lanciare oggetti per esprimere la rabbia, non c'è un mezzo, o, se il proprio corpo è chiamato il mezzo, allora è qualcosa che non è necessario studiare per usarlo a tale scopo. È ancora necessario distinguere una liberazione naturale da un'espressione. Se la poesia fosse letteralmente il trabocco spontaneo di sentimenti potenti, come disse William Wordsworth, sarebbe costituita in gran parte da cose come lacrime e balbettii incoerenti. Se si può plausibilmente dire che la creazione artistica è un processo di espressione, si deve intendere qualcosa di diverso e più specifico della liberazione o scarica naturale.

John Dewey

John Dewey John Dewey. Underwood & Underwood, Biblioteca del Congresso, Washington, DC (negativo n. LC-USZ62-51525)

Una visione dell'espressione emotiva nell'arte è che è preceduta da una perturbazione o eccitazione da una causa vaga per la quale l'artista è incerto e quindi ansioso. L'artista procede quindi ad esprimere sentimenti e idee in parole o pittura o pietra o simili, chiarificandoli e ottenendo un rilascio di tensione. Il punto di questa teoria sembra essere che gli artisti, turbati dall'inarticolatezza delle loro idee, ora si sentano sollevati perché hanno espresso ciò che volevano esprimere. Questo fenomeno, peraltro familiare (perché tutti si sono sentiti sollevati quando un lavoro è finito), deve ancora essere esaminato per la sua rilevanza. Conta l'emozione che si esprime o il sollievo di averla espressa? Se la preoccupazione qui riguarda l'arte come terapia o fare arte per fornire rivelazioni a uno psichiatra, allora quest'ultimo è ciò che conta, ma il critico o il consumatore dell'arte sicuramente non sono interessati a tali dettagli della biografia dell'artista. Questa è un'obiezione a tutti i resoconti dell'espressione come processo: come si fa luce sull'opera d'arte dicendo che l'artista ha attraversato un processo espressivo o un processo qualunque nella sua genesi? Se l'artista fosse sollevato alla fine, tanto meglio, ma questo fatto è esteticamente irrilevante come lo sarebbe se l'artista si fosse suicidato alla fine o si fosse preso a bere o avesse composto un'altra opera subito dopo.



Un altro problema dovrebbe essere notato: supponendo che gli artisti alleviano i loro stati mentali oppressi attraverso la creazione, che connessione ha questo con le parole esatte, la partitura o le pennellate che mettono su carta o tela? I sentimenti sono una cosa, le parole, le forme ei toni visivi un'altra; sono questi ultimi che costituire il mezzo artistico, e in essi che vengono create le opere d'arte. Esiste senza dubbio un nesso causale tra i sentimenti dell'artista e le parole che l'artista scrive in una poesia, ma la teoria espressiva della creazione parla solo dei sentimenti dell'artista, mentre la creazione avviene all'interno degli stessi medium artistici, e per parlare solo del il primo è non dire nulla sull'opera d'arte, cioè nulla che potrebbe interessare se non per lo psichiatra o il biografo dell'artista. Attraverso cosa? parossismi di emozione che l'artista ha passato non ha più importanza, per quanto riguarda la propria visione dell'opera, che sapere che un dato ingegnere aveva avuto una lite con un amico la notte prima di iniziare la costruzione di un certo ponte. Per parlare di qualcosa di rivelatore delle opere d'arte, è necessario smettere di parlare delle emozioni dell'artista e parlare della genesi di parole, toni e così via, elementi nei mezzi artistici specifici.

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Gli espressionisti hanno infatti messo in evidenza e sottolineato un'importante distinzione: tra i processi coinvolti nell'arte e nell'artigianato. L'attività di costruire un ponte dal progetto di un architetto o costruire un muro di mattoni o mettere insieme un tavolo come mille altri che l'artigiano ha già fatto è un mestiere e non un'arte. L'artigiano sa esattamente all'inizio delle lavorazioni che tipo di prodotto finale vuole: ad esempio, una sedia di determinate dimensioni realizzata con materiali particolari. Un bravo (efficiente) artigiano sa all'inizio quanto materiale ci vorrà per fare il lavoro, quali strumenti e così via. Ma l'artista creativo non può lavorare in questo modo: gli artisti non sanno cosa stanno per esprimere finché non lo hanno espresso è una parola d'ordine dell'espressionista. Non possono dire in anticipo come sarà un'opera d'arte completata: il poeta non può dire quali parole costituiranno la poesia completata o quante volte la parola il accadrà in essa o quale sarà l'ordine delle parole, che può essere conosciuto solo dopo che il poema è stato creato, e fino ad allora il poeta non può dirlo. Né il poeta potrebbe mettersi a lavorare con un tale piano: comporrò un poema che contenga la parola il 563 volte, la parola rosa 47 volte, e così via. Ciò che distingue l'arte dall'artigianato è che l'artista, a differenza dell'artigiano, non conosce la fine all'inizio.

La distinzione sembra abbastanza valida, ma è più dubbio se essa sostenga il punto di vista dell'espressionismo, poiché può essere sostenuta indipendentemente dall'atteggiamento assunto nei confronti della teoria dell'espressione. Il processo aperto descritto come arte piuttosto che artigianato caratterizza tutti i tipi di creazione: di matematica ipotesi e della teoria scientifica, nonché dell'art. Ciò che distingue la creazione da tutte le altre cose è che risulta in una nuova combinazione di elementi, e non si sa in anticipo quale sarà questa combinazione. Così si può parlare di creare un'opera di scultura o di creare una nuova teoria, ma raramente di creare un ponte (a meno che il costruttore non sia stato anche l'architetto che lo ha progettato, e quindi è alla genesi dell'idea del ponte, non alla sua esecuzione, che si applica la parola creazione). Questa, dunque, è una caratteristica della creazione; non è chiaro che sia una caratteristica dell'espressione (tutto ciò che si fa nell'esprimere che non si fa già nel creare). È necessario parlare di espressione, in contrapposizione alla creazione, per far emergere la distinzione tra arte e artigianato?



Non sembra esserci una vera generalizzazione sui processi creativi di tutti gli artisti e nemmeno dei grandi artisti. Alcuni seguono le loro intuizioni, lasciando che il loro lavoro artistico cresca mentre lo spirito si muove ed essendo relativamente passivi nel processo (cioè, la mente cosciente è passiva e l'inconscio prende il sopravvento). Altri sono consapevolmente attivi, sanno bene cosa vogliono in anticipo e capiscono esattamente come farlo (per esempio, lo scrittore americano del XIX secolo Edgar Allan Poe nel suo saggio La filosofia della composizione). Alcuni artisti attraversano lunghe agonie della creazione (il compositore tedesco del XIX secolo Johannes Brahms, piangendo e gemendo per dare vita a una delle sue sinfonie), mentre per altri sembra essere relativamente facile (Mozart, che potrebbe scrivere un'intera ouverture in una sera per lo spettacolo del giorno successivo). Alcuni artisti creano solo mentre hanno un contatto fisico con il mezzo (ad esempio, compositori che devono comporre al pianoforte, pittori che devono giocare nel mezzo per ottenere idee pittoriche), e altri preferiscono creare solo nella loro mente (Mozart , si dice, visualizzasse ogni nota nella sua mente prima di scrivere la partitura). Non sembra esserci una vera generalizzazione che si possa fare sul processo di creazione artistica, non certo che sia sempre un processo di espressione. Per l'apprezzamento dell'opera d'arte, naturalmente, tale uniformità non è necessaria, sebbene possa essere fortemente desiderata dai teorici della creazione artistica.

Edgar Allan Poe

Edgar Allan Poe Edgar Allan Poe. US Signal Corps/National Archives, Washington, D.C.



Le principali difficoltà nel modo di accettare conclusioni sul processo creativo nell'arte sono (1) che gli artisti differiscono così tanto l'uno dall'altro nei loro processi creativi che non è possibile giungere a generalizzazioni che siano sia vere che interessanti o di qualche significato e ( 2) che in psicologia e neurologia non si sa abbastanza del processo creativo: è sicuramente il più sorprendentemente complesso di tutti i processi mentali negli esseri umani, e anche i processi mentali umani più semplici sono avvolti nel mistero. In ogni arena le ipotesi sono all'ordine del giorno, nessuna di esse motivato sufficientemente da costringere ad assentire su altre ipotesi contrastanti. Alcuni hanno detto, per esempio, Graham Wallas nel suo libro L'arte del pensiero (1926)-che nella creazione di ogni opera d'arte ci sono quattro fasi successive: preparazione, incubazione, ispirazione ed elaborazione; altri hanno affermato che questi stadi non sono affatto successivi ma si susseguono durante l'intero processo creativo, mentre altri ancora hanno prodotto un elenco diverso di stadi. Alcuni dicono che l'artista inizia con uno stato di confusione mentale, con alcuni frammenti di parole o di melodia che diventano gradualmente chiari e il resto parte da lì, lavorando gradualmente verso la chiarezza e l'articolazione, mentre altri sostengono che l'artista inizia con un problema, che viene gradualmente elaborato durante il processo di creazione, ma la visione dell'insieme dell'artista guida il processo creativo fin dal suo inizio. Il primo punto di vista sarebbe una sorpresa per il drammaturgo che ha deciso di scrivere a Dramma in cinque atti sulla vita e l'assassinio di Giulio Cesare, e il secondo sarebbe una sorpresa per artisti come l'artista inglese del XX secolo Henry Moore, che diceva di aver iniziato a volte a disegnare senza uno scopo cosciente ma solo il desiderio di usare la matita su carta e creare toni, linee e forme. Ancora, per quanto riguarda le teorie psicologiche sulle motivazioni inconsce degli artisti durante la creazione, una prima visione freudiana è che nel creare l'artista elabori la realizzazione di desideri inconsci; una visione freudiana successiva è che l'artista è impegnato nell'elaborare difese contro i dettami del Super-io. Opinioni basate sulle idee dello psicologo svizzero del XX secolo Carl Jung rifiuta entrambi alternative , sostituendo un resoconto del processo inconscio di creazione di simboli.

Henry Moore: figura distesa in due pezzi n. 9

Henry Moore: Figura reclinabile in due pezzi n. 9 Figura reclinabile in due pezzi n. 9 , bronzo di Henry Moore, 1968; alla National Library of Australia, Canberra. Robin Smith Photography, Nuovo Galles del Sud