Edvard Munch , (nato il 12 dicembre 1863, Löten, Norvegia - morto il 23 gennaio 1944, Ekely, vicino a Oslo), pittore e incisore norvegese la cui intensamente evocativo trattamento di temi psicologici costruito su alcuni dei principali principi del simbolismo della fine del XIX secolo e fortemente influenzato dal tedesco Espressionismo all'inizio del XX secolo. La sua pittura L'urlo , o il pianto (1893), può essere visto come un simbolo dell'angoscia spirituale moderna.
Munch è nato in una famiglia della classe media che era afflitta da problemi di salute. Sua madre morì quando lui aveva cinque anni, sua sorella maggiore quando ne aveva 14, entrambe di tubercolosi; Munch alla fine catturò quest'ultimo evento nel suo primo capolavoro, Il bambino malato (1885-1886). Anche il padre e il fratello di Munch morirono quando era ancora giovane e si sviluppò un'altra sorella sister malattia mentale . La malattia, la follia e la morte, come disse, furono gli angeli neri che vegliarono sulla mia culla e mi accompagnarono per tutta la vita.
Munch ha mostrato un talento per il disegno in tenera età, ma ha ricevuto poca formazione formale. Un fattore importante nel suo sviluppo artistico fu la Kristiania Bohème, un circolo di scrittori e artisti a Kristiania, come allora veniva chiamata Oslo. I suoi membri credevano nell'amore libero e generalmente si opponevano alla ristrettezza mentale borghese. Uno dei pittori più anziani del circolo, Christian Krohg, diede a Munch sia l'istruzione che l'incoraggiamento.
Munch presto superò il naturalista prevalente estetico a Kristiania, in parte a causa della sua assimilazione dell'impressionismo francese dopo un viaggio a Parigi nel 1889 e del suo contatto dal 1890 circa con l'opera dei pittori post-impressionisti Paul Gauguin e Henri di Toulouse-Lautrec . In alcuni dei suoi dipinti di questo periodo adottò le pennellate aperte degli impressionisti, ma l'uso della linea di delimitazione da parte di Gauguin si dimostrò più congeniale per lui, come l'ambizione degli artisti sintetisti di andare oltre la rappresentazione della natura esterna e dare forma a una visione interiore. Il suo amico il poeta danese Emanuel Goldstein lo introdusse alla poesia simbolista decadente francese durante questo periodo, che lo aiutò a formulare una nuova filosofia dell'arte, intrisa di un panteistico design della sessualità.
Lo stile profondamente originale di Munch si cristallizzò intorno al 1892. L'uso fluido e tortuoso della linea nei suoi nuovi dipinti era simile a quello dell'Art Nouveau contemporaneo, ma Munch usava la linea non come decorazione ma come veicolo per una profonda rivelazione psicologica. L'incomprensione oltraggiata del suo lavoro da parte dei critici norvegesi è stata echeggiata dai loro omologhi a Berlino quando Munch espose un gran numero dei suoi dipinti nel 1892 su invito dell'Unione degli artisti di Berlino. L'emozione violenta e le immagini non convenzionali dei suoi dipinti, in particolare le loro rappresentazioni audacemente franche della sessualità, hanno creato un'aspra controversia. I critici furono anche offesi dalla sua tecnica innovativa, che ai più appariva incompiuta. Lo scandalo, però, contribuì a far conoscere il suo nome in tutta la Germania, e da lì la sua fama si diffuse ulteriormente. Munch visse principalmente a Berlino nel 1892-1895 e poi a Parigi nel 1896-1897, e continuò a spostarsi molto fino a quando si stabilì in Norvegia nel 1910.
Al centro del successo di Munch c'è la sua serie di dipinti sull'amore e la morte. Il suo nucleo originario era formato da sei quadri esposti nel 1893, e la serie era cresciuta fino a 22 opere quando fu esposta per la prima volta con il titolo Fregio della Vita alla Secessione di Berlino nel 1902. Munch riordinava costantemente questi dipinti e, se uno doveva essere venduto, ne faceva un'altra versione. Quindi in molti casi ci sono diverse versioni dipinte e stampe basate sulla stessa immagine. sebbene il Fregio attinge profondamente all'esperienza personale, i suoi temi sono universali: non si tratta di uomini o donne in particolare, ma dell'uomo e della donna in generale, e dell'esperienza umana delle grandi forze elementari della natura. Visto in sequenza, an implicito emerge la narrazione del risveglio, della fioritura e dell'appassimento dell'amore, seguito dalla disperazione e dalla morte.
Il risveglio dell'amore è mostrato in La voce (1893), dove in una notte d'estate una ragazza in piedi tra gli alberi sembra essere chiamata più da una voce interiore che dai suoni di una barca sul mare alle sue spalle. Dal punto di vista compositivo, questo è uno dei numerosi dipinti del Fregio in cui l'orizzontale tortuoso della costa è contrapposto alle verticali di alberi, figure o il riflesso simile a un pilastro attraverso il mare del sole o della luna. La fioritura dell'amore è mostrata in Il bacio (1892), in cui un uomo e una donna sono chiusi in un tenero e appassionato abbraccio, i loro corpi si fondono in un'unica forma ondulata e i loro volti si fondono così completamente l'uno nell'altro che nessuno dei due conserva caratteristiche individuali. Un'immagine particolarmente potente della resa, o trascendenza, dell'individualità è Madonna (1894-1895), che mostra una donna nuda con la testa gettata all'indietro in estasi, gli occhi chiusi e una forma a forma di aureola rossa sopra i suoi fluenti capelli neri. Questo può essere inteso come il momento del concepimento, ma c'è più di un accenno di morte nel bel viso della donna. Nell'arte di Munch, la donna è un altro con il quale l'unione è disperatamente desiderata, eppure temuta perché minaccia la distruzione dell'ego creativo.
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Il bacio , xilografia colorata di Edvard Munch, 1902; al Victoria and Albert Museum di Londra. Victoria and Albert Museum, Londra; fotografia, John Webb
In altre opere che formano il Fregio , Munch ha esplorato il tema della sofferenza causata dall'amore, come si vede in titoli come Malinconia (c. 1892-1893), Gelosia (1894–95), e Cenere (1894). Se l'isolamento e la solitudine, sempre presenti nel suo lavoro, sono particolarmente enfatizzati in queste immagini, sono ugualmente evidenti in Morte nella stanza del malato (1893-1895), uno dei suoi tanti dipinti sulla morte. Qui il focus non è sul bambino morente, che non è nemmeno visibile, ma sui vivi, ognuno avvolto nella propria esperienza di dolore e incapace di comunicare o di offrirsi consolazione. La potenza dell'immagine è accresciuta dallo spazio chiuso in modo claustrofobico e dalla prospettiva ripida del pavimento.
Lo stesso tipo di prospettiva drammatica è usato in L'urlo , che è l'opera più famosa di Munch. Ispirato da un'esperienza allucinatoria in cui Munch ha sentito e sentito un grido in tutta la natura, raffigura una creatura in preda al panico, allo stesso tempo simile a un cadavere e che ricorda uno spermatozoo o un feto, il cui contorni risuonano nelle linee vorticose del cielo rosso sangue. In questo dipinto l'ansia è elevata a un livello cosmico, in ultima analisi legato alle elucubrazioni sulla morte e sul vuoto di significato che sarebbero state centrali nell'esistenzialismo. (Le due prime versioni di L'urlo data al 1893; Munch creò un'altra versione nel 1895 e ne completò una quarta probabilmente nel 1910.) Anche la sua arte era evidente affinità con la poesia e il dramma del suo tempo, e si possono fare interessanti confronti con il lavoro dei drammaturghi Henrik Ibsen e agosto Strindberg , di cui dipinse entrambi i ritratti.
Edvard Munch: L'urlo L'urlo , tempera e caseina su cartone di Edvard Munch, 1893; alla National Gallery, Oslo. National Gallery, Oslo, Norvegia/Bridgeman Art Library, Londra/SuperStock
L'enorme produzione di arte grafica di Munch, composta da incisioni, puntesecche, litografie e xilografie, iniziò nel 1894. L'attrazione principale per lui della stampa era che gli consentiva di comunicare il suo messaggio a un numero molto maggiore di persone, ma gli consentiva lui entusiasmanti opportunità di sperimentazione. La sua mancanza di formazione formale in qualsiasi mezzo grafico è stato senza dubbio un fattore che lo ha spinto verso tecniche estremamente innovative. Come molti dei suoi contemporanei, fu influenzato dalla tradizione giapponese nel suo uso della xilografia, ma semplificò radicalmente il processo, ad esempio, stampando da un unico blocco di legno segato in una serie di piccoli pezzi. L'uso da parte di Munch delle effettive venature del legno per scopi espressivi si è rivelato un esperimento particolarmente riuscito e ha influenzato notevolmente gli artisti successivi. Ha anche spesso combinato diversi media o sovrapposto un mezzo su un altro. Le stampe di Munch assomigliano molto ai suoi dipinti sia nello stile che nel soggetto.
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