musica lirica

musica lirica , un dramma messo in scena musicato nella sua interezza, composto da brani vocali con accompagnamento strumentale e di solito con ouverture orchestrali e interludi. In alcune opere la musica è continua durante un atto; in altri è suddiviso in pezzi discreti, o numeri, separati o dal recitativo (un tipo drammatico di canto che si avvicina alla parola) o dal parlato dialogo . Questo articolo si concentra sull'opera nella tradizione occidentale. Per una panoramica dell'opera e delle tradizioni operistiche in Asia (in particolare in Cina), vedere le sezioni appropriate di musica cinese, musica giapponese, arti dell'Asia meridionale e arti del sud-est asiatico; Guarda anche brevi voci su forme specifiche di opera cinese, come such chuanqi , jingxi , kunqu , e nanxi .

Il trovatore

Il trovatore Performance of Giuseppe Verdi's Il trovatore , 2011. Igor Bulgarin / Shutterstock.com



La parola inglese musica lirica è un'abbreviazione della frase italiana opera in musica (lavoro in musica). Denota un'opera teatrale costituita da un testo drammatico, o libretto (libretto), che è stato musicato e messo in scena con scene, costumi e movimento. A parte i cantanti solisti, d'insieme e corali sul palco e un gruppo di strumentisti che suonano fuori scena, gli interpreti dell'opera sin dal suo inizio hanno spesso incluso ballerini. Varietà complessa e spesso costosa di intrattenimento musico-drammatico, l'opera ha attratto sia sostenitori che detrattori nel corso della sua storia ed è stata talvolta bersaglio di intense critica . I suoi detrattori l'hanno vista come una forma d'arte artificiale e irrazionale che sfida la verosimiglianza drammatica. I sostenitori lo hanno visto come qualcosa di più della somma delle sue parti, con la musica che supporta e intensifica i testi e l'azione per creare un genere di un impatto emotivo maggiore di quello che la musica o il teatro potrebbero ottenere da soli. Nella sua autobiografia del 1986, il regista teatrale e cinematografico Franco Zeffirelli ha messo in guardia dal prendere l'opera troppo alla lettera:



Uomini bassi in armatura e grandi signore in chiffon che cantano antico Egitto non hanno molto senso a un livello [ma] possono... rivelarci le confusioni di emozione e lealtà, la natura del potere e della pietà, che non potrebbero essere espresse in modo così commovente in nessun altro modo.

La preparazione di uno spettacolo d'opera coinvolge il lavoro di molti individui il cui contributo totale a volte si estende per un secolo o più. La prima recluta, spesso non intenzionale, è probabilmente lo scrittore della storia originale. Poi viene il librettista, che mette la storia o l'opera teatrale in una forma - di solito implicante versi poetici - che è adatta per musicale ambientazione e canto. Il compositore poi mette in musica quel libretto. Architetti e tecnici del suono avranno progettato un teatro dell'opera adatto o adattabile a spettacoli che richiedono un palcoscenico considerevole; un ampio backstage per ospitare la scenografia; una fossa, o spazio (spesso sotto il livello del palcoscenico) per ospitare un'orchestra; e posti a sedere per un pubblico ragionevolmente ampio. Un produttore (o regista) deve specificare il lavoro di designer, scenografi, costumisti ed esperti di illuminazione. Il produttore, autista , e lo staff musicale deve lavorare per lunghi periodi con il coro, i ballerini, l'orchestra e le comparse, nonché i cantanti principali per preparare l'esibizione, un lavoro che può durare da pochi giorni a molti mesi. Tutta questa attività, inoltre, si svolge in concomitanza con il lavoro non solo di ricercatori ed editori che preparano scrupolosamente la partitura musicale, soprattutto nel caso di riprese di opere dimenticate o pubblicate da tempo, ma anche della direzione amministrativa del teatro. personale, che include l'impresario e altri responsabili delle prenotazioni, della vendita dei biglietti e di altre questioni commerciali.



Uno degli aspetti più variabili dell'opera nel corso della sua lunga storia è stato l'equilibrio tra musica e poesia o testo. I collaboratori delle prime opere (all'inizio del XVII secolo) credevano di creare un nuovo genere in cui musica e poesia, per servire il dramma, si fondessero in un tutto inscindibile, un linguaggio che era di una classe a sé stante — a metà tra il parlare e il cantare. Nei decenni e nei secoli successivi, l'equilibrio tra questi elementi si è più volte spostato a favore della musica a scapito del testo e della integrità del dramma, solo per essere riportato in relativo equilibrio da varie riforme. Tuttavia, è possibile più di un equilibrio desiderabile tra musica, testo e dramma, e nel tempo il estetico ideali dell'opera e dei suoi creatori si sono adattati con successo ai gusti e alle attitudini mutevoli dei committenti e del pubblico, adattandosi anche al linguaggio diversità e varie preferenze nazionali. Di conseguenza, l'opera ha resistito in Western cultura da più di 400 anni.

Inoltre, dalla fine del XX secolo, nuovi modi di offrire l'opera al pubblico - in video e DVD, nella cinematografia o tramite simulcast ad alta definizione nelle sale cinematografiche - hanno reso il genere sempre più accessibile a un pubblico più vasto, e tali novità cambierà inevitabilmente l'atteggiamento del pubblico e l'apprezzamento della forma d'arte. Resta da vedere, tuttavia, come questi media potrebbero anche cambiare il modo in cui compositori, librettisti, impresari e interpreti si avvicinano all'opera e se i valori musicali e teatrali del genere verranno di conseguenza modificati in modo fondamentale.

La storia antica

Gli storici della musica hanno continuato a dibattere sulle origini dell'opera. I drammi degli antichi drammaturghi greci Eschilo, Sofocle ed Euripide combinavano dramma poetico e musica. Durante Medioevo , i drammi biblici cantati o intervallati da musica erano conosciuti sotto varie etichette, compresi i drammi liturgici ( ordini ) e commedie simili eseguite in chiesa. Queste e le relative forme musico-drammatiche potrebbero essere diventate antenati indiretti dell'opera, ma i primi antenati diretti universalmente accettati dell'opera apparvero nell'Italia del XVI secolo.



Il ruolo di Firenze

Le corti del nord Italia, in particolare quella della famiglia Medici in Firenze , furono particolarmente importanti per lo sviluppo dell'opera. Firenze, infatti, diventò la culla dell'opera alla fine del secolo, per effetto del confluenza di tre forze culturali: una consolidata tradizione teatrale, un forte senso civico umanesimo , e una visione distintamente fiorentina della musica e del rapporto della musica con il cosmo.

Intermedi nel teatro musicale fiorentino

Primo tra i fattori che resero la Firenze del XVI secolo matura per l'avvento dell'opera fu la sua lunga tradizione di teatro musicale, manifestato principalmente nelle produzioni musicali note come intermedi (o interludi) che venivano messi in scena tra gli atti delle commedie parlate. Intermedi serviva sia a segnalare le divisioni del dramma parlato, non essendovi sipario da calare, sia a suggerire il trascorrere del tempo sospendendo l'azione tra un atto e l'altro della commedia e, durante l'intervallo, impiegando personaggi e temi estranei alla trama principale e solo vagamente collegati da un interludio all'altro. La corte fiorentina offrì sontuose intermedi , pianificato e provato con mesi di anticipo e destinato a stupire gli ospiti invitati con la ricchezza, la generosità e il potere dei loro ospiti Medici. Per il cosiddetto 1589 intermedi , che ha culminato una serie di eventi di un mese per celebrare il matrimonio del Granduca Ferdinando de' Medici ( Ferdinando I ) di Toscana con la principessa francese Cristina di Lorena , un enorme team di artisti, artigiani, poeti, musicisti, architetti e tecnici è stato riunito sotto il intellettuale guida dell'illustre aristocratico fiorentino Giovanni Bardi. Come spirito motivante dietro il programma, Bardi ha lavorato a stretto contatto con poeti e musicisti locali, alcuni dei quali sono stati coinvolti nelle prime produzioni operistiche sperimentali un decennio dopo. Infatti, il 1589 intermedi aveva molti degli stessi musicisti e quasi tutti gli ingredienti dell'opera: costumi, scenografie, effetti scenici, avvincenti canti solisti, musica strumentale colorata, numeri su larga scala che combinano voci e orchestra e danza. Tuttavia, ancora da creare, erano l'azione unificata e lo stile innovativo del canto drammatico che sono rimasti tra i segni distintivi dell'opera.

chi è il santo patrono della francia